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Qu’est-ce que l’art corporel ?

Le terme “art corporel” décrit un type d’art contemporain dans lequel le corps de l’artiste devient la “toile” ou l'”œuvre d’art”. Bien qu’étroitement lié à l’art conceptuel et à l’art de la performance, l’art corporel englobe un large éventail de disciplines, notamment : Peinture corporelle ; Tatouage ; Peinture faciale ; Ongles ; Piercings ; Maquillage ; Mime et statues vivantes ; et Photographie. Parfois, il est réalisé en privé, puis affiché sous forme de photos ou d’enregistrements vidéo ; parfois, il est créé ” en direct ” devant un public. Un certain nombre d’artistes contemporains basés sur la performance (comme Chris Burden, Gina Pane et Benjamin Vautier) sont devenus célèbres en se faisant souffrir ou en choquant le public par des comportements extrêmes, comme la consommation de drogues, l’automutilation, l’érotisme et le masochisme. Présentées dans certains des meilleurs festivals d’art contemporain – y compris des événements spécialisés comme les festivals de Body Painting – ainsi que dans plusieurs des meilleures galeries d’art contemporain, ces disciplines liées au corps illustrent la tendance postmoderniste à élargir la définition de l’art bien au-delà de la sphère traditionaliste du dessin, de la peinture et de la sculpture. Certains critiques d’art, cependant, adoptent une vision plus étroite, préférant classer l’art corporel lié à la performance comme un divertissement, plutôt que comme une forme d’art visuel indépendante.

Les Origines et l’Histoire de l’art corporel

L’art corporel – du moins sous forme de body painting – remonte à l’ère de l’art préhistorique et de l’utilisation de pigments de couleur, comme l’ocre rouge, à des fins culturelles. Le maquillage et le tatouage sont également issus de l’art ancien pratiqué dans le monde entier, de l’Amérique du Nord à la Nouvelle-Zélande, tandis que le mime remonte aux formes d’art gestuel dramatique de la Grèce Antique. Les formes les plus modernes comprennent les statues corporelles (une forme d’art de la rue), l’art des ongles et l’art corporel de performance. Cette dernière est apparue pour la première fois au milieu des années 60 et, après un certain déclin, est réapparue dans les années 90.

Les types d’art corporel

Les principales formes d’art corporel sont les suivantes :

Peinture de carrosserie

D’abord pratiqué à l’âge de pierre, le body painting est devenu un trait distinctif de l’art postmoderniste de la fin du XXe siècle, comme l’illustre la peinture en trompe-l’œil de la Néo-Zélandaise Joanne Gair (1958), notamment sa création du “Demi Moore’s Birthday Suit” – photographie d’Annie Leibovitz – qui fait la une du magazine Vanity Fair en août 1992. Les festivals d’art corporel – comme le World Bodypainting Festival (Seeboden, Autriche) et le Sydney Body Art Ride – sont également de plus en plus populaires.

Art du tatouage

Un tatouage est une marque ou un dessin permanent sur le corps réalisé en introduisant de l’encre indélébile dans le derme de la peau. Le tatouage est une forme populaire de décoration corporelle depuis l’époque de l’art néolithique : le plus ancien exemple connu de peau tatouée appartient à un homme momifié de la culture chilienne Chinchorro (vers 6000 avant notre ère), tandis que le plus ancien tatouage européen est sur le corps de “Otzi the Iceman” (vers 3100 avant notre ère, Musée archéologique du Sud Tyrol, Bolzano). L’art moderne du tatouage date du milieu du XVIIIe siècle, lorsque les explorateurs sont entrés en contact avec les Indiens tatoués et les habitants des îles du Pacifique – le mot tatouage dérive en fait du mot polynésien “tatau”.

Qu’est ce que l’Art de l’animation ?

L’animation (du latin animare, animare, pour insuffler de la vie) est l’art visuel de faire un film à partir d’une série de dessins fixes. Bien que l’animation du XXIe siècle soit dominée par la technologie du film et de la vidéo informatisés, les talents de dessinateur et de dessinateur des dessinateurs de bandes dessinées et des graphistes font toujours partie intégrante du processus. Parmi les animateurs célèbres du XXe siècle, on compte J. Stuart Blackton, George McManus, Max Fleischer, Walt Disney et l’équipe de DreamWorks Animation. Les dessins animés célèbres incluent Mickey Mouse, Bugs Bunny et Donald Duck, Jungle Book, The Simpsons, Shrek et Anime.

Les différents types de l’Art de l’animation

Il existe différents types d’animations : les longs métrages d’animation, comme Blanche-Neige et les sept nains, Fritz le chat et Shrek ; les films avec des personnages animés et humains, comme Roger Rabbit et Lord of the Rings ; les dessins animés ou séries télévisées plus courts, comme Tom et Jerry, et les Simpsons ; et les animations spécifiques pour la télévision et les spots vidéo. Le développement de l’animation, à la fois comme forme d’art et comme produit commercial, a conduit à son importance croissante en tant que sujet d’étude. L’animation est maintenant enseignée comme un cours d’art figuratif distinct dans un nombre croissant de collèges d’arts européens et américains. Pour les disciplines connexes, voir Photographie et aussi Art vidéo.

Le dessinateur animateur

Les animateurs complètent leurs dessins sur des feuilles d’acétate transparent. Si elles sont dessinées sur papier, elles sont ensuite transférées sur cels par xérographie. Les supports les plus courants pour dessiner l’histoire sont les encres et les peintures opaques, appliquées avec une variété de marqueurs spécialisés, de crayons et de crayons lithographiques. Le processus de base s’articule autour du ” storyboard ” – une série d’esquisses à un panneau. Des résumés des actions d’accompagnement et des dialogues sont rédigés sous chaque esquisse. Les caricatures sont particulièrement exigeantes en main-d’œuvre : une caricature courte moyenne nécessite de 40 à 50 000 cadres ou dessins distincts. Faire asseoir un personnage peut nécessiter 10 dessins ou plus pour représenter chaque mouvement individuel.

Animateur en chef

Pour assurer la continuité et l’uniformité des images, un ou plusieurs modèles sont réalisés pour chaque personnage. Ces modèles intègrent généralement des croquis des personnages dans diverses positions avec diverses expressions faciales et sont utilisés par l’animateur en chef pour esquisser la séquence d’action primaire. Par exemple, si le personnage est censé courir, l’animateur en chef dessinera le pied en quittant le sol, puis en l’air, et enfin en retournant au sol. Les artistes assistants complètent ensuite les détails.

Artistes de la mise en page et de l’arrière-plan

La scénographie est très importante. Ceci est géré par le maquettiste qui réalise une série de dessins linéaires qu’il utilise pour créer les arrière-plans. Ces derniers peuvent être des bâtiments, des intérieurs de pièces, des paysages, de la jungle, de la montagne ou des centres commerciaux. Toutes les couleurs sont généralement remplies par ordinateur.

Animation par ordinateur

Depuis 1990, l’animation créée par ordinateur à l’aide de logiciels graphiques sophistiqués est devenue de plus en plus dominante : c’est le cas de Toy Story de John Lassiter, le premier long métrage créé entièrement à partir d’animation par ordinateur. La question de savoir si l’animation traditionnelle peut survivre à cette évolution n’est pas claire, bien qu’à l’heure actuelle, il semble qu’il faille encore des compétences humaines pour créer l’imagerie ultra-réaliste que les consommateurs attendent maintenant. (Voir aussi : La photographie est-elle de l’art ?)

Quelle est l’idée derrière l’art abstrait ?

La prémisse de base de l’abstraction – d’ailleurs, une question clé de l’esthétique – est que les qualités formelles d’une peinture (ou d’une sculpture) sont tout aussi importantes (sinon plus) que ses qualités figuratives.

Commençons par une illustration très simple. Une image peut contenir un très mauvais dessin d’un homme, mais si ses couleurs sont très belles, elle peut néanmoins nous sembler être une belle image. Ceci montre comment une qualité formelle (couleur) peut l’emporter sur une qualité figurative (dessin).

D’un autre côté, une peinture photoréaliste d’une maison en terrasse peut faire preuve d’un représentationalisme exquis, mais le sujet, le schéma des couleurs et la composition générale peuvent être totalement ennuyeux.

La justification philosophique de l’appréciation de la valeur des qualités formelles d’une œuvre d’art découle de l’affirmation de Platon selon laquelle :

“les lignes droites et les cercles sont… non seulement beaux… mais éternellement et absolument beaux.”

Platon signifie essentiellement que les images non naturalistes (cercles, carrés, triangles, etc.) possèdent une beauté absolue et immuable. Ainsi, un tableau peut être apprécié uniquement pour sa ligne et sa couleur – il n’a pas besoin de représenter un objet naturel ou une scène. Le peintre, lithographe et théoricien de l’art français Maurice Denis (1870-1943) en arrivait à la même conclusion lorsqu’il écrivait : “Rappelez-vous qu’un tableau – avant d’être un cheval de guerre ou une femme nue… est essentiellement une surface plane couverte de couleurs assemblées dans un certain ordre”.

Certains artistes abstraits s’expliquent en disant qu’ils veulent créer l’équivalent visuel d’une œuvre musicale, qui peut être appréciée uniquement pour elle-même, sans avoir à se poser la question “de quoi est cette peinture ? Whistler, par exemple, avait l’habitude de donner à certains de ses tableaux des titres musicaux comme Nocturne : Bleu et argent – Chelsea (1871, Collection Tate). (Voir aussi : Évaluation de l’art : Comment apprécier l’art.

Différents types d’art abstrait

Pour garder les choses simples, nous pouvons diviser l’art abstrait en six types de base :

  • Curvilinéaire
  • Relatif à la couleur ou à la lumière
  • Géométrique
  • Émotionnel ou intuitif
  • Gestural
  • Minimaliste

Certains de ces types sont moins abstraits que d’autres, mais tous se préoccupent de séparer l’art de la réalité.

Art abstrait curvilinéaire

Ce type d’abstraction curviligne est fortement associé à l’art celtique, qui employait toute une gamme de motifs abstraits, y compris des nœuds (huit types de base), des motifs entrelacés et des spirales (dont le triskelion ou le triskelion). Ces motifs n’étaient pas originaux chez les Celtes – beaucoup d’autres cultures primitives utilisaient ces motifs celtes depuis des siècles : voir par exemple les gravures en spirale sur le tombeau du passage néolithique de Newgrange dans le Co Meath, créé environ 2000 ans avant l’apparition des Celtes. Cependant, il est juste de dire que les concepteurs celtes ont insufflé une nouvelle vie à ces modèles, les rendant beaucoup plus complexes et sophistiqués dans le processus. Ces motifs sont ensuite réapparus comme éléments décoratifs dans les manuscrits enluminés des premiers temps (vers 600-1000 de notre ère). Plus tard, ils revinrent au cours du mouvement de renaissance celtique du XIXe siècle et de l’Art Nouveau du XXe siècle, notamment dans les couvertures de livres, les textiles, les papiers peints et les dessins en chintz de William Morris (1834-96) et Arthur Mackmurdo (1851-1942), entre autres. L’abstraction curvilinéaire est également illustrée par le “modèle infini”, une caractéristique répandue de l’art islamique.

Définition et caractéristiques de la peinture de genre

En peinture artistique, le terme de peinture de genre (aussi appelée œuvres de genre) fait référence à des images représentant des situations et des scènes de la vie quotidienne. Les sujets abordés comprennent généralement les décors domestiques, les intérieurs, les repas, les célébrations, les scènes de taverne ou de campagne, les marchés et autres scènes de rue.

En général, la caractéristique principale d’une peinture de genre est que la scène est présentée d’une manière non idéalisée, contrairement à l’approche classique traditionnelle qui consiste à infuser des scènes à caractère héroïque, noble ou dramatique. Contrastez par exemple les personnages non vernis des scènes paysannes de Courbet avec les oursins idéalisés de l’artiste sévillan Bartolomé Esteban Murillo. L’école hollandaise réaliste de peinture de genre du XVIIe siècle, dirigée par le grand artiste de Delft Johannes (Jan) Vermeer (1632-1675), est sans doute l’un des meilleurs représentants de ce médium.

Différence entre les points de vue de genre, les paysages et les natures mortes ?

Quand un paysage devient-il une peinture de genre, et vice versa ? Il n’y a pas de réponse précise à cette question, car la frontière entre ce type de beaux-arts et les autres genres est souvent floue. Par exemple, le célèbre chef-d’œuvre de Joseph Wright de Derby, An Experiment on a Bird in the Air Pump (1768), est en partie une peinture de genre, en partie un portrait et en partie une peinture historique. Le grand réaliste français Jean-François Millet (1814-1875) a peint un certain nombre de scènes rurales (par exemple l’Angélus) qui pouvaient être interprétées comme des paysages ou des peintures de genre, ou les deux. De même, l’image d’un ” intérieur ” – comme Interior de Peter Vilhelm Ilsted (1896) – peut être considérée davantage comme une nature morte que comme une peinture de genre, surtout si la composition est posée.

En règle générale, une peinture de genre est typiquement une représentation d’événements normaux, dans lesquels les figures individuelles jouent habituellement un rôle important. En revanche, un paysage typique ne contient pas d’élément figuratif significatif, alors qu’une ” nature morte ” ou ” intérieure ” est en réalité une scène domestique contenant un arrangement artificiel d’objets (incluant, plus rarement, une figure). Malgré tout, on pourrait quand même soutenir que The Little Street (1658) de Vermeer était à la fois un paysage urbain et une peinture de genre.

Narratif aussi bien que décoratif

La Hiérarchie des genres, mentionnée plus haut, était le ” système de classement ” officiel adopté par l’Académie française des Beaux-Arts. Selon ce système, la peinture de genre se classe au 3e rang, après la peinture d’histoire et le portrait. En effet, les peintures de genre n’étaient pas considérées comme ” inspirantes ” au même titre que l’histoire ou l’art du portrait, en raison de leur manque de ” message ” ou de ” récit “. Certes, de nombreuses scènes de genre ont été commandées et appréciées pour leurs qualités de bien-être, décoratives ou nostalgiques, ainsi que pour la virtuosité de l’artiste. Mais (comme les natures mortes) un nombre important de peintures de genre contiennent un conte moral. Il faut parfois le déchiffrer en examinant le symbolisme sur la toile. En tout état de cause, contrairement au point de vue ” académique “, la peinture de genre est parfaitement capable de véhiculer des messages moralisateurs.

Comment la peinture de genre a-t-elle commencé ?

L’art de la Renaissance – sur lequel reposent la plupart des arts visuels occidentaux – était principalement de l’art public, commandé par les papes, les églises et les dirigeants séculiers pour inspirer les masses avec des valeurs religieuses et morales. Ainsi, la plupart des œuvres d’art (fresques, pièces d’autel, sculptures) étaient délibérément des présentations picturales à grande échelle de messages édifiants, facilement visibles et compréhensibles pour le spectateur. Les belles églises italiennes offraient beaucoup d’espace d’exposition, et le beau temps était idéal pour l’utilisation de peinture à fresque.

Qu’est-ce que l’art représentationnel ?

En peinture et en sculpture, le terme “art figuratif” désigne généralement des images qui sont clairement reconnaissables pour ce qu’elles prétendent être, comme une figure humaine, une banane, un arbre, et ainsi de suite. De telles images n’ont pas besoin d’être vraies à la vie. Ainsi, un arbre n’a pas besoin d’être vert, ni même dressé, mais il doit clairement représenter ou être reconnaissable comme un arbre. En revanche, l’art non figuratif ou abstrait est constitué d’images qui n’ont pas d’identité claire et qui doivent être interprétées par le spectateur.

Malgré tout, il n’y a pas de distinction absolue entre l’abstraction et le réalisme. Imaginez plutôt un continuum entre l’abstraction pure (à une extrémité) et l’ultra-réalisme (à l’autre extrémité). À un moment donné, l’imagerie abstraite devient suffisamment reconnaissable pour que l’on puisse la qualifier de représentative, mais il est impossible de définir un tel point à l’avance.

Néanmoins, on peut dire que l’art figuratif comprend toute imagerie qui représente un objet ou une série d’objets identifiables. Parmi les exemples courants de ce type d’art, citons les portraits, les paysages traditionnels, les peintures de scènes quotidiennes, les peintures historiques ou mythologiques, les natures mortes et, bien sûr, divers types de statues figuratives et équestres.

Les peintures ou sculptures de forme humaine – une sorte de sous-catégorie de l’art figuratif – sont aussi parfois appelées “art figuratif”. Les versions expressionnistes des formes humaines (comme celles du peintre colombien contemporain Fernando Botero) peuvent être qualifiées de “néo-figuratives”.

Observation par rapport à l’interprétation

Une autre façon d’apprécier la différence entre l’art figuratif et non figuratif est de voir les choses du point de vue de l’artiste. Les peintres figuratifs agissent généralement comme observateurs et essaient de reproduire ce qu’ils voient. Bien sûr, ils ” interprètent ” ce qu’ils voient – il n’y a donc pas deux peintres qui peignent une scène de la même façon – mais leur but premier est d’observer et de reproduire le ou les objets qui se trouvent devant eux. Ainsi, par exemple, la peinture en plein air – une approche popularisée par les impressionnistes du XIXe siècle – est presque toujours représentative.

En revanche, les peintres non représentatifs ont un point de vue différent. Leur but est de créer une image plus ” intellectuelle ” : une image qui n’est pas directement associée à un objet reconnaissable et qui, par conséquent, doit être interprétée. Cette approche non représentative est bien illustrée par le mouvement abstrait du XXe siècle, comme dans les œuvres de Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-70) et Sean Scully (né en 1945), dont les tableaux manquent de sens objectif et doivent donc être entièrement interprétés par le spectateur.

Les origines de l’art figuratif

L’art le plus ancien est figuratif et a été pratiqué dès l’âge de pierre (environ 2.000.000.000-10.000 avant notre ère). Citons par exemple des sculptures telles que la “Vénus de Tan-Tan” (Maroc) et la “Vénus de Berekhat Ram” (Israël), ainsi que des peintures rupestres de Lascaux (France), et d’Altamira (Espagne).

L’art figuratif moderne dérive en grande partie de l’art grec et romain (vers 650 av. J.-C. à 350 ap. J.-C.), comme en témoigne la sculpture grecque comme “La jeunesse marathonienne” (3e siècle av. J.-C.) de Praxitèle ; “La Gaule mourante” (vers 232 av.-C.) d’Epigone ; Laocoon et ses fils (vers 40 av.-C.-C) de Hagesandrus, Polydorus et Athenodoru. L’un des plus beaux exemples de la sculpture romaine figurative est le bas-relief en spirale de la colonne de Trajan, de la période Julio-Claudienne. Ces œuvres de l’Antiquité classique ont été à la base de la Renaissance italienne, qui a eu une grande influence sur les artistes jusqu’au XXe siècle. (Bien qu’elle n’ait pas été découverte jusqu’aux temps modernes, l’Armée chinoise en terre cuite, créée à l’époque de la dynastie Qin (221-206 avant notre ère), est peut-être le plus bel exemple d’art figuratif.

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